中谷ミチコ NAKATANI Michiko
Photo by MATSUBARA Yutaka
中谷ミチコ
NAKATANI Michiko
1981年、東京都生まれ。三重県に在住、活動。
中谷ミチコは主に3つの手法で作品を制作している。鉛筆や水彩絵具で即興的に描かれるドローイング、粘土や石膏の立体作品、そして石膏と樹脂によるレリーフ作品である。特に3つ目の石膏と樹脂による作品は、中谷特有の手法で制作されている。
美術大学で人体塑像を中心に学び制作してきた彼女が現在の技法を「発見」したのは、2007年頃のことだという。以降、試行錯誤を繰り返し、制作へとつなげてきた。まず、立てかけた塑造板の上に水粘土でかたちを作り、塑像が完成すると、塑造板を横に倒して床に置き、周囲に縁をつけて石膏を流し込む。石膏が固まった後で粘土を掻き出し、凹んだ部分に直接着彩してから透明樹脂を流し込むか、凹んだ部分に着色した樹脂を流し込み、樹脂が固まった後で表面をフラットに磨きあげて完成する。素材の置き換えを繰り返す中で、はじめに作家の手により形づくられた塑像（粘土）は姿を消し、空虚になった部分は別の素材（樹脂）で満たされる。塑像の痕跡は残されているものの、樹脂によって隔てられており、私たちはそこに触れることはできない。また、着色した樹脂を流し込んだ場合は、表面からの距離が深くなればなるほど光が届かず、ますます色が濃くなる。塑像のときには最も手前に存在していたものが、型取りや流し込みという段階を経て、視線が届かない場所へと反転していく。中谷はこれを「不在の彫刻」と呼ぶ。目に見えるかたちで塊として目の前に提示されないことが、ここにものがある、存在するということを逆説的に証明して見せているかのようだ。
石膏と樹脂によるレリーフ作品はこれまで、絵画のような四角いフレームの中におさめられ、立体と平面の境界、存在の有無の間を常に行き来する「窓」として存在していた。しかし、近年は同じ技法を用いながらも、モチーフに沿ってかたちが切り抜かれたタイプのものや、レリーフを5面組み合わせてキューブ型にしたものなど、いくつかのバリエーションが生まれている。初期の作品では、部分的に着彩されたモチーフが透明な樹脂の内部に閉じ込められており、あたかも固い樹脂に守られているかのようである。一方、黒く着色された樹脂を流した作品は、底が深くなればなるほどに暗く沈んでいき、見る側の意識すら沈潜させていく。それが近年では一変して、表面に明るさが戻ったかと思えば、並行して暗闇を切り出したかのような立方体の作品が現れた。
近作が初期作品と異なるのは、いずれもフレームから解放され、より立体としての存在感が増している点だろう。また、モチーフそのものは光に照らし出されて立ち上がってくると同時に、その姿を見ようとすると樹脂の中に溶け込んでしまい、「もの」として眼前に存在するはずなのに実体がつかみ取れない。彫刻としての存在に近づこうとすればするほど、遠ざかってしまう。
中谷の彫刻の中には、すべてのものを飲み込むブラックホールのような場所が広がっている。作品と見る側との距離はますます近づき、両者を包む空間は果てしなく広がっていく。中谷ミチコのつくりだす小さな宇宙はこれからも私たちを柔らかく包み込み、どこまでもひろがっていくだろう。
（原舞子／三重県立美術館学芸員）
Born in 1981, Tokyo, Japan. Lives and works in Mie, Japan.
Nakatani Michiko predominantly adopts three methods in producing her works. Namely, improvisational drawing that uses pencil and watercolors; three-dimensional work that uses clay and plaster; and relief work that utilizes plaster and resin. In particular, the plaster/resin reliefs are created through a method unique to Nakatani.
According to Nakatani, who mainly studied human clay-figure sculpture at an art university, she “discovered” the techniques she currently utilizes in 2007. From that time, she has continued to go through the trial-and-error process, adopting those new techniques in her works. She first creates a form with modeling clay that is placed on a molding board leaned against a wall. When the model is complete, she places the board sideways on the floor. She then adds an edge around the model and pours plaster into it. When it dries, she scrapes out the clay and either directly applies pigment to the cavity, after which she pours transparent resin, or pours colored resin into the cavity without applying any pigment. When the resin hardens, she completes the work by polishing the surface till it is smooth. During the process of replacing one material after another, the initial model clay produced by the artist’s own hands disappears, while the part that has become hollow is filled with a different material (resin). Although traces of the clay model still remain, we are unable to touch that place because of the distance created by the resin. In the case when colored resin is poured into the cavity, the deeper the distance is from the surface, the more unreachable the light becomes, with the color becoming darker and darker. In the process of creating the mold and pouring resin into the cavity, the part of the clay model that was at the very forefront is reversed to being in a place where our vision is unreachable. Nakatani refers to this state as an “absent sculpture.” It is as if she is paradoxically proving that the work exists here in this place by not showing it as a visible mass before the viewer’s eyes.
Her plaster/resin reliefs up until that time were limited to the inside of a square frame, similar to a painting. Hence, they served as “windows” that could freely go back and forth between two-dimensional and three-dimensional boundaries, and between the presence and absence of existences. However, in recent years, she has originated several other variations using the same techniques—namely, a form in which the shape of the motif itself is cut out, and one in which five planes are assembled into a cubic form. In one series of her early works, a partially colored motif was confined inside transparent resin, which looked as if it was protected by solid resin. By contrast, in another series in which she poured black-colored resin into the mold, the deeper the bottom of the mold was, the darker the color became, taking the viewer’s mind into deeper thoughts. But her works would soon drastically change to reveal a surface that regained a sense of brightness. Then, in parallel with this version, there appeared her black cubic work, which looked as if pieces of darkness had been cut out.
Nakatani’s recent works differ from her early ones in that they have all been released from frames; thus, they convey a stronger sense of existence as three-dimensional works. The motifs themselves are illuminated by light and come to the fore, while at the same time, the viewers trying to see that sight feel as if they have melted into the resin. Thus, they are unable to capture the entity even though it is there before their eyes—the more they try to come closer to the existence of the sculpture, the further away it goes.
A space similar to a black hole that swallows all things stretches inside Nakatani’s sculpture. While the distance between the work and the viewer draws closer and closer, the space that envelops the two sides stretches boundlessly. The microcosm that Nakatani Michiko originates will continue to gently wrap the viewers and will continue to expand endlessly.
HARA Maiko, Curator, Mie Prefectural Art Museum
(Translated by NANPEI Taeko)
更新された最新の情報は、作家のウェブサイトをご覧ください。
Please refer to the artist’s website for new updates.
https://www.michikonakatani.com
NANAWATA中谷ミチコ展トーク抄録 「絵画と彫刻のあいだ・気配のありか」 ゲスト：蔵屋美香（横浜美術館館長）CAFE&SPACE NANAWATA 2021年12月５日
「未来を担う美術家たち 20th DOMANI・明日展」での展示風景 国立新美術館 2018年 撮影：若林勇人
手前左：《空が動く》2017年 彫刻（レリーフ）／石膏、透明樹脂、顔料、鉄、麻 83×163×8 cm 手前右：《Boat》2015年 彫刻／樹脂石膏・鉄、42×110×32 cm
Installation view of Group show, “20th DOMANI: The Art of Tomorrow” , The National Art Center, Tokyo, 2018
Photo by WAKABAYASHI Hayato
Front left: The sky moves, 2017, Sculpture (Relief)/Plaster, transparent resin, pigment, iron, hemp 83×163×8 cm Front right: Boat, 2015, Sculpture/Plaster, iron 42×110×32 cm
